La comedia en el cine mundial.
Este miércoles 23 de junio a las 18hs en Más allá del plano hablaremos de importantes comediantes, directores y avtores que han marcado caminos en la historia de la cinematografía mundial y siguen calando hondo aún en nuestros días.
Cine de ciencia ficción nacional
Proponerse hablar del género de ciencia ficción nacional parece ser algo descabellado en un país en el que la mayoría de sus producciones son de bajo presupuesto y están dirigidas en su gran mayoría hacia al campo documental. En tiempos en los que los países tercermundistas sólo pueden o deben hacer cine de denuncia mostrando las irreversibles consecuencias de la pobreza y la tiranía de los estados; todavía existen afortunadamente unos pocos cineastas, al menos en nuestro país, dispuestos a romper con esta hegemonía, en la que la única alternativa de producción viable es la realización de documentales. Existe otro cine, obviamente su repercusión o conocimiento es ignorado por la mayoría; pero sin embargo es de vital importancia para nuestra cinematografía porque nos abre las puertas hacia un mundo desconocido o mejor dicho hacia un mundo ya conocido pero que ahora podemos verlo de otra manera. El cine de ciencia ficción es esa otra manera de ver el mundo, de hacerlo perceptible a través de mecanismo que convierten lo conocido en extraño.
Por eso no nos debe parecer extraño que la Aquilea de “Invasión” se parezca a Buenos Aires pero a su vez no sea Buenos Aires; es como si estuviéramos en un mismo tiempo en aquel espacio mítico que nos remonta a épocas remotas en las que los dioses intervenían en los asuntos de los hombres y a la vez en la Buenos Aires actual, más precisamente en la de finales de la década del 60´. Este film más allá que no es el primero de este género en nuestro país, sí es considerado como uno de los más importantes debido a que incursiona en el género desde un punto de vista regional. A su vez la participación de Borges y Bioy Casares en el argumento y el aporte posterior de Borges en el guión cinematográfico dotan al film de temas recurrentes de la literatura borgiana. Para algunos Invasión es una película premonitoria de los sucesos que acontecerían una década más tarde en nuestro país. En este filma asistimos a la muerte del héroe borgeano encarnado por Lautaro Murúa, este héroe estoico paga con su vida el hecho de no comprender como el mundo conocido por el va a modificarse a causa de la invasión que a pesar de sus esfuerzos va a ocurrir. La muerte de Julián Herrera (Lautaro Murúa), es una muerte necesaria ya que el tiempo por venir no necesita de hombres solitarios que luchan cara a cara contra su enemigo; sino de una organización clandestina que como única alternativa para combatir a los invasores es a través de una logística de guerrilla.
Hugo Santiago al igual que Jaques Tourner comprendía que lo fantástico del cine era precisamente el dispositivo, que no era necesario apelar a artilugios costosos porque no hay nada más extraño que lo conocido. A todo esto Tourner nos dice: “… “el vagón de metro asediado”, yuxtapone la realidad y el terror. Si pone en escena situaciones básicas que todo el mundo conoce: el último metro, a media noche, y todas estas cosas… impresionan mucho más que un cohete interplanetario. El terror para ser sensible, debe ser familiar…”. Terror al que se familiarizo nuestro país en los años venideros a este film; probablemente el presagio que muchos le adjudican a “Invasión”, no sea tal, es posible que sólo intentara realizar una radiografía de la violencia que hasta entonces se encontraba en un estado de efervescencia; sin embargo el hecho de atribuirle a la película el don de predecir el futuro no sea más que uno de los tantos elementos a los ya mencionados que han construido el mito sobre el film de Santiago.
El caso de “La antena” de Esteban Sapir
Podríamos afirmar con seguridad que la película de Sapir a diferencia a la de Santiago no nos dice nada sobre el tiempo que vendrá sino por el contrario nos lleva a un espacio - tiempo de los primeros tiempos del cinematógrafo. Son claras las referencias a films clásicos de la historia del cine como “Metrópolis” (1927) de Fritz Lang, film futurista que nos introduce en una megalópolis del s XXI; sin embargo el director de “La antena” noventa años más tarde recrea una vez más en la pantalla aquel mundo escindido de la realidad que el s XXI nos deparó. A pesar de evidente y a la vez necesaria referencia a la película de Lang hay una suerte de puente temporal que los une, y es el espíritu por lo experimental. Cuando hablamos de lo experimental entrados ya en la primera década del siglo XXI, nos referimos a las posibilidades estéticas que los dispositivos digitales nos brindan. Sapir nos muestra un mundo fantástico construido a partir de ceros y unos, en el que aún podemos reconocer ciertos lugares que funcionan a manera de fondo como la Facultad de Derecho; sin embargo aquello que reconocemos como la F. de Derecho no lo es, en todo caso es la reconstrucción virtual, es decir es la Facultad de Derecho en su plena inmaterialidad. Por esta razón Lenne nos dice: “… De todas maneras, el cuerpo reconstruido por la tecnología y las prácticas cinematográficas es un cuerpo fantasmático, que ofrece un soporte y un punto de identificación al sujeto destinata
rio del film…”.
Es peculiar la reconfiguración del espacio ideada por Sapir valiéndose de recursos pertenecientes al cine de los primeros tiempos como los clásicos intertítulos o el viñeteado del comic. Esta reconfiguración espacial descansa en una carencia que es la ausencia de la voz. Sapir se vale de la imposibilidad tecnológica de registrar sonido existente en el período alemán de Lang; para diseñar el espacio de su film. Las letras intervienen e interactúan con los personajes resignificando y singularizando no sólo su significado sino también transforman a los sujetos / personajes de la película.
Conclusión
Ambos films no solo dan muestra de una habilidad narrativa sino que también nos posibilita reconstruir o mejor dicho construir la historia de nuestro país por medio de un género narrativo poco explorado y que parecía ser patrimonio de los estudios de Hollywood; lugar al que hasta entonces poseía de manera hegemónicamente el imaginario del mundo; pero como nos han mostrado estos dos realizadores nacionales, que es posible utilizar los recursos y sistemas narrativos en cierta manera ajenos a nuestra historia para contar valga la redundancia nuestra historia. Tampoco hay que dejar de lado la pasión por el dispositivo que no sólo une a Lang con Sapir sino a todos aquellos directores que no pierden de vista de que se trata la ciencia ficción que en palabras de Jean Louis Leurtrat nos dice: “… Así pues, por fantástico en el cine entendemos aquello que hay de fantástico en el dispositivo en sí mismo así como los efectos fantásticos producidos por el cine a través de los medios que le son propios…”
El musical o el cine como palimpsesto
Géneros cinematográficos
En cambio los personajes de sweeney Todd y All that jazz son más complejos puesto que en el caso de Sweeney hallamos causas psicológicas derivadas de experiencias pasadas vividas que lo desencadenan en una sed de venganza, en consecuencia no podemos hablar de un personaje malvado sino de un personaje trastornado que una vez fue bueno pero lo vivido lo afectó psicológicamente estropeando la cadena de valores y principios que tenía anteriormente.En All that jazz el protagonista es más chato si se quiere puesto que su profundidad solamente es develada a partir de las conversaciones con el ángel-muerte. Estas charlas nos revelan a un hombre sencillo que hizo lo que deseó y siempre trató de ser el centro de atención de los demás y el objeto de su amor. Un personaje narcisista y por momentos mezquino pero no malvado ya que él se emocionaba con las personas y sentía pesares por sus acciones. Era un genio creativo en lo que desempeñaba y la muerte suaviza las imperfecciones burdas de este personaje que tampoco puede ser catalogado en un estereotipo.Características primitivas de lospersonajes de Sweeney Todd y All that jazzTanto Sweeney Todd como Gideon de All that jazz comparten dentro de sus rasgos esenciales de sus respectivos personajes propiedades primitivas del ser humano.Gideon pareciera que no puede pensar sino es a través de su órgano sexual… los encuentros amorosos son múltiples y con una finalidad casi animal de copulación orgiástica y nada más. No es un hombre culto y elucubrador de tópicos que hacen al hombre un ser racional con un espíritu que lo sitúa un escalón más arriba en la escala evolutiva que cualquier animal. Gideon se mueve al son de sus apetitos, una vez satisfechos continúa por más… no hay reflexión en él… solamente repasar lo vivido y desear no morir para poder tener más. Esto se ve claramente en el transcurso del film y más específicamente en una de las escenas finales donde, estando en el ensueño-umbral, el ángel de la muerte, (que no es azaroso que se le presente como una bella mujer angelical toda de blanco y tul cual esposa fiel), intenta besarlo (el beso de la muerte) y él al principio seducido la rechaza al entender el significado que realmente tendría dar ese beso. A partir de aquí este personaje trata de no morir, se pasea por los pasillos del hospital atravesando los cinco estadios por los que se surca antes de morir definitivamente, estadios mencionados en el film que el mismo Gideon realizó con un comediante. Esta arista de continuar y no desear el in también se evidencia en esta película dentro de la película All that jazz; Gideon no acaba nunca de reeditarla… nunca está conforme y vuelve a empezar otra vez. Su ambición es estar siempre en la función de su vida.Sweeney Todd es diverso en su primitivismo. No son deseos carnales lo que lo motivan sino, como ya sabemos, sed de venganza. Pero estas ansias irrefrenables de desquite lo han empujado hacia los pantanos de su propio ser y sus actos son productos de una fiera devorando a otra en medio de una selva virgen y salvaje donde la brutalidad se halla en su estado más puro. El asesinato a mansalva y despiadado lo ubica en el mismo estadio que una hiena en cuanto a animal carente de todo raciocinio y mesura de sus acciones emotivas y en cuanto a la imperante expresión de los instintos depredadores de estas bestias. Sin embargo, Sweeney Todd es acompañado por otro personaje tan siniestro o más que el. El papel de Bonan Carter lleva al paroxismo el primitivismo reinante en el film… ya que en Sweeney tenemos un personaje caído en desgracia por la infamia y la injusticia, en cambio, el rol de Bonan Carter es por libre decisión. Ella utiliza carne humana para servir el restaurante que maneja y es quien va guiando las acciones de Sweeney que cae en su juego impecable. Esta mujer trae a escena el canibalismo propiamente dicho, comer a los de su misma especie, se soslaya una metáfora grotesca pero bien contundente a la sociedad reinante en ese mundo, que es un símil del nuestro, donde los hombres se devoran entre ellos. 
Ya sea el odio, la venganza (Sweeney Todd), ya sea el amor, la protección (personaje femenino) o bien sea la satisfacción de un status (Juez Turpin), todo lo que mueve al hombre en este film lo destierra de su lado humano y lo convierte en bestias desalmadas; como si el hombre solo pudiera existir y obtener lo que desea, sea esto noble o no, por medio de la devastación de los de su misma especie. El hombre no sabe vivir sin devorarse.La venganzaLa venganza como un sinónimo de justicia de la víctima… parecieraque Sweeney Todd por momentos fuera disculpado de su abominable acción por el hecho de su sed de venganza… pero la ley del talión como bien quiere plantear la construcción de este personaje no se aplica como tal. Desde el famoso Código de Hammurabi (1792 AC) se buscaba que el castigo del victimario fuera equivalente del daño que éste había causado a su víctima. La tan popular frase Ojo por ojo y diente por diente hace total alusión explícita a la necesidad de igualdad y equilibrio a la hora del castigo. Por ello Sweeney Todd quien en un principio quiere castigar al juez Turpin por la supuesta muerte de su amada esposa termina culpando a todos los hombres que no hicieron nada por ella como si realmente fueran cómplices del juez. Así es que asesina a todos clientes que entran a afeitarse su barba. El equilibrio queda destrozado puesto que el castigo es colectivo y no particular como plantea la ley del Talión que nosotros conocemos. Todos esos otros hombres morirán injustamente y serán comidos en la tienda restaurante de la dama siniestra.En All hat jazz los personajes no son rencorosos. Gideon es un hombre que ha dañado a muchas mujeres e incluso a su hija y, a pesar de ello, estos seres no buscan la revancha mezquina. No hay necedad de equilibrar lo desequilibrado ya que se acepta tal cual es. 
Singin in the rain plantea estereotipos y como tal los personajes buenos no desean vengarse en pos de de provocar un daño, aquello que se persigue es el triunfo de la justicia y la verdad, por ende no son las venganzas particulares sino los hechos quienes develan y enaltecen las buenas acciones por sobre las malas.La sangre como símbolo en Sweeney Todd y diferencia con Drácula.La sangre en sweeney Todd representa lo más bajo y vil del hombre. Los actos horrorosos equiparados a las bestias carroñeras. Es el color de lo terrible y del fin… el fin de todas las vidas que son asesinadas e incluso el fin mismo del personaje que no posee mayor expectativa que su exterminación. Es la muerte simbolizada en su máximo esplendor, de hecho todos mueren en el film exceptuando el niño.Drácula, de Coppola, planteaba en la sangre un concepto más bien extraído del cristianismo, la sangre traía el renacimiento a una nueva vida, en este caso a la del vampiro. La resurrección. En la comunión comemos el cuerpo de Cristo bebemos su sangre. Esta idea de la sangre como el comienzo de algo y no su final. Nacer a una vida nueva. Construcción de Sweeney Tood:la tragedia griega funcionando en su basamento (el desconocimiento de lo acontecido). / Gideon en All that jazz.En Sweeney Todd tenemos un elemento trágic Trágico en cuanto a las tragedias griegas donde había un personaje que realizaba un acto den desconocimiento real de sus verdaderas consecuencias y muchas veces con desconocimiento de a quién le efectuaba una acción determinada. En Edipo Rey éste asesina a su padre sin saber que era él y se casa con su madre ignorando igualmente este hecho, es así que luego se deviene acto trágico al saberse obrador de una de las mayores aberraciones que un hombre puede realizar… la tragedia está en haber perpetuado tales acciones sin conocimiento de las verdaderas identidades, este desconocimiento es esencial para que se estipule un acto trágico. Es así que Sweeney compadece ante lo mismo… asesina a su amada esposa desconociendo quien era y al descubrir la verdad cae sobre él la culpa infinita de su atrocidad.Gideon (All that jazz) no es un personaje trágico. El sabe desde el principio todo e igualmente arremete impunemente contra los que ama. Sus acciones son propias de un ser ególatra y déspota. Es consciente.Las canciones y el musical en los films seleccionados:En Sweeny Todd los musicales giran en torno de los objetos de deseo de cada personaje. En All that jazz giran en torno a los deseos, sentimientos y vivencias del protagonista únicamente.Finalmente en Singin´in the rain versan sobre el espectáculo en sí mismo. Reflejan Brodway en su colorido, alegría y superficialidad.“… El que es arte de la visión como la música es arte de la audición,debería… llevarnos hacia la idea visual compuesta por movimiento y vida, hacia la concepción del arte del ojo, constituido por una inspiración perceptiva que evoluciona en su continuidad y alcanza, al igual que la música, nuestro pensamiento y nuestros sentimientos …” (Citado en Sitney, 1978,pág.41)
Al enfrentarse ante los géneros siempre nos vamos a preguntar si esas entidades discursivas tienen un verdadero asidero en nuestro mundo, o sí sólo son estructuras narrativas predeterminadas que tienen como misión que nosotros en tanto espectadores establezcamos una frontera entre lo verdadero y lo ficticio. Fronteras desdibujadas de los géneros (Seeney Todd musical – tragedia) (All that jazz musical – drama) (Cantando bajo la lluvia – musical- comedia). Los géneros no son estables. Podríamos decir que los géneros resisten el paso del tiempo gracias al palimpsesto que le permite renovarse estableciendo de esta manera falsos paradigmas, que no son más que la misma cosa pero con aditamentos. En Sweeney Todd el estereotipo funciona como piedra basal del género producto de ello los personajes no son totalmente buenos ni malos. Cosa que sí ocurre en Singin´ in the rain… Kathy es la chica buena que da todo desinteresadamente hasta el punto de postergar sus anhelos personales respecto de su carrera para ayudar a Don su amor. Mientras que el personaje de Lina es un ser acartonado tonto e interesado que simplemente busca salirse con la suya y tener fama a cuesta de lo que sea necesario, como ser arruinar las posibilidades de una carrera en Broadway a Kathy.
En cambio los personajes de sweeney Todd y All that jazz son más complejos puesto que en el caso de Sweeney hallamos causas psicológicas derivadas de experiencias pasadas vividas que lo desencadenan en una sed de venganza, en consecuencia no podemos hablar de un personaje malvado sino de un personaje trastornado que una vez fue bueno pero lo vivido lo afectó psicológicamente estropeando la cadena de valores y principios que tenía anteriormente.En All that jazz el protagonista es más chato si se quiere puesto que su profundidad solamente es develada a partir de las conversaciones con el ángel-muerte. Estas charlas nos revelan a un hombre sencillo que hizo lo que deseó y siempre trató de ser el centro de atención de los demás y el objeto de su amor. Un personaje narcisista y por momentos mezquino pero no malvado ya que él se emocionaba con las personas y sentía pesares por sus acciones. Era un genio creativo en lo que desempeñaba y la muerte suaviza las imperfecciones burdas de este personaje que tampoco puede ser catalogado en un estereotipo.Características primitivas de lospersonajes de Sweeney Todd y All that jazzTanto Sweeney Todd como Gideon de All that jazz comparten dentro de sus rasgos esenciales de sus respectivos personajes propiedades primitivas del ser humano.Gideon pareciera que no puede pensar sino es a través de su órgano sexual… los encuentros amorosos son múltiples y con una finalidad casi animal de copulación orgiástica y nada más. No es un hombre culto y elucubrador de tópicos que hacen al hombre un ser racional con un espíritu que lo sitúa un escalón más arriba en la escala evolutiva que cualquier animal. Gideon se mueve al son de sus apetitos, una vez satisfechos continúa por más… no hay reflexión en él… solamente repasar lo vivido y desear no morir para poder tener más. Esto se ve claramente en el transcurso del film y más específicamente en una de las escenas finales donde, estando en el ensueño-umbral, el ángel de la muerte, (que no es azaroso que se le presente como una bella mujer angelical toda de blanco y tul cual esposa fiel), intenta besarlo (el beso de la muerte) y él al principio seducido la rechaza al entender el significado que realmente tendría dar ese beso. A partir de aquí este personaje trata de no morir, se pasea por los pasillos del hospital atravesando los cinco estadios por los que se surca antes de morir definitivamente, estadios mencionados en el film que el mismo Gideon realizó con un comediante. Esta arista de continuar y no desear el in también se evidencia en esta película dentro de la película All that jazz; Gideon no acaba nunca de reeditarla… nunca está conforme y vuelve a empezar otra vez. Su ambición es estar siempre en la función de su vida.Sweeney Todd es diverso en su primitivismo. No son deseos carnales lo que lo motivan sino, como ya sabemos, sed de venganza. Pero estas ansias irrefrenables de desquite lo han empujado hacia los pantanos de su propio ser y sus actos son productos de una fiera devorando a otra en medio de una selva virgen y salvaje donde la brutalidad se halla en su estado más puro. El asesinato a mansalva y despiadado lo ubica en el mismo estadio que una hiena en cuanto a animal carente de todo raciocinio y mesura de sus acciones emotivas y en cuanto a la imperante expresión de los instintos depredadores de estas bestias. Sin embargo, Sweeney Todd es acompañado por otro personaje tan siniestro o más que el. El papel de Bonan Carter lleva al paroxismo el primitivismo reinante en el film… ya que en Sweeney tenemos un personaje caído en desgracia por la infamia y la injusticia, en cambio, el rol de Bonan Carter es por libre decisión. Ella utiliza carne humana para servir el restaurante que maneja y es quien va guiando las acciones de Sweeney que cae en su juego impecable. Esta mujer trae a escena el canibalismo propiamente dicho, comer a los de su misma especie, se soslaya una metáfora grotesca pero bien contundente a la sociedad reinante en ese mundo, que es un símil del nuestro, donde los hombres se devoran entre ellos.Ya sea el odio, la venganza (Sweeney Todd), ya sea el amor, la protección (personaje femenino) o bien sea la satisfacción de un status (Juez Turpin), todo lo que mueve al hombre en este film lo destierra de su lado humano y lo convierte en bestias desalmadas; como si el hombre solo pudiera existir y obtener lo que desea, sea esto noble o no, por medio de la devastación de los de su misma especie. El hombre no sabe vivir sin devorarse.La venganzaLa venganza como un sinónimo de justicia de la víctima… parecieraque Sweeney Todd por momentos fuera disculpado de su abominable acción por el hecho de su sed de venganza… pero la ley del talión como bien quiere plantear la construcción de este personaje no se aplica como tal. Desde el famoso Código de Hammurabi (1792 AC) se buscaba que el castigo del victimario fuera equivalente del daño que éste había causado a su víctima. La tan popular frase Ojo por ojo y diente por diente hace total alusión explícita a la necesidad de igualdad y equilibrio a la hora del castigo. Por ello Sweeney Todd quien en un principio quiere castigar al juez Turpin por la supuesta muerte de su amada esposa termina culpando a todos los hombres que no hicieron nada por ella como si realmente fueran cómplices del juez. Así es que asesina a todos clientes que entran a afeitarse su barba. El equilibrio queda destrozado puesto que el castigo es colectivo y no particular como plantea la ley del Talión que nosotros conocemos. Todos esos otros hombres morirán injustamente y serán comidos en la tienda restaurante de la dama siniestra.En All hat jazz los personajes no son rencorosos. Gideon es un hombre que ha dañado a muchas mujeres e incluso a su hija y, a pesar de ello, estos seres no buscan la revancha mezquina. No hay necedad de equilibrar lo desequilibrado ya que se acepta tal cual es.Singin in the rain plantea estereotipos y como tal los personajes buenos no desean vengarse en pos de de provocar un daño, aquello que se persigue es el triunfo de la justicia y la verdad, por ende no son las venganzas particulares sino los hechos quienes develan y enaltecen las buenas acciones por sobre las malas.La sangre como símbolo en Sweeney Todd y diferencia con Drácula.La sangre en sweeney Todd representa lo más bajo y vil del hombre. Los actos horrorosos equiparados a las bestias carroñeras. Es el color de lo terrible y del fin… el fin de todas las vidas que son asesinadas e incluso el fin mismo del personaje que no posee mayor expectativa que su exterminación. Es la muerte simbolizada en su máximo esplendor, de hecho todos mueren en el film exceptuando el niño.Drácula, de Coppola, planteaba en la sangre un concepto más bien extraído del cristianismo, la sangre traía el renacimiento a una nueva vida, en este caso a la del vampiro. La resurrección. En la comunión comemos el cuerpo de Cristo bebemos su sangre. Esta idea de la sangre como el comienzo de algo y no su final. Nacer a una vida nueva. Construcción de Sweeney Tood:la tragedia griega funcionando en su basamento (el desconocimiento de lo acontecido). / Gideon en All that jazz.En Sweeney Todd tenemos un elemento trágic Trágico en cuanto a las tragedias griegas donde había un personaje que realizaba un acto den desconocimiento real de sus verdaderas consecuencias y muchas veces con desconocimiento de a quién le efectuaba una acción determinada. En Edipo Rey éste asesina a su padre sin saber que era él y se casa con su madre ignorando igualmente este hecho, es así que luego se deviene acto trágico al saberse obrador de una de las mayores aberraciones que un hombre puede realizar… la tragedia está en haber perpetuado tales acciones sin conocimiento de las verdaderas identidades, este desconocimiento es esencial para que se estipule un acto trágico. Es así que Sweeney compadece ante lo mismo… asesina a su amada esposa desconociendo quien era y al descubrir la verdad cae sobre él la culpa infinita de su atrocidad.Gideon (All that jazz) no es un personaje trágico. El sabe desde el principio todo e igualmente arremete impunemente contra los que ama. Sus acciones son propias de un ser ególatra y déspota. Es consciente.Las canciones y el musical en los films seleccionados:En Sweeny Todd los musicales giran en torno de los objetos de deseo de cada personaje. En All that jazz giran en torno a los deseos, sentimientos y vivencias del protagonista únicamente.Finalmente en Singin´in the rain versan sobre el espectáculo en sí mismo. Reflejan Brodway en su colorido, alegría y superficialidad.“… El que es arte de la visión como la música es arte de la audición,debería… llevarnos hacia la idea visual compuesta por movimiento y vida, hacia la concepción del arte del ojo, constituido por una inspiración perceptiva que evoluciona en su continuidad y alcanza, al igual que la música, nuestro pensamiento y nuestros sentimientos …” (Citado en Sitney, 1978,pág.41)Films:
Singin´in the rain, Gene Kelly y Stanley Donen
All that jazz, Bob Fosse
Sweeney Todd, Tim Burton
Daren y Varda
Diferentes movimiento feministas han cuestionado el lugar que ocupa la mujer en la sociedad proponiendo una visión que la incluya en tanto género. Cuestionamientos que podemos trasladar al medio cinematográfico y más específicamente a los films clásicos, a esos que tienen como estructura establecida: comienzo- nudo- desenlace. En esta clase de films en los que el héroe (por lo general masculino) transita por un espacio de género femenino coloca a la mujer fuera del relato, a no ser que aparezca como objeto de deseo, como femme fatale, que puede ser venerada pero jamás tocada.
La lógica de los films de estas realizadoras tienen como objeto principal ya no concientizar a la sociedad del rol de la mujer como género, sino que los movimientos individuales de estas cineastas no hacen más que reafirmar su “yo” y no paran de gritarlo con fuerza.
En los dos casos analizados hay una búsqueda de la identidad individual, dos formas diferentes de expresarla. Varda apela a un cine que no distingue entre ficción y no ficción, entre lo individual y lo colectivo, entre lo viejo y lo nuevo. Tres binomios que conviven de forma activa a lo largo de toda su carrera. Binomios que constantemente se enfrentan con ella y que al final de cada película hacen las paces, congenian para seguir viviendo en paz. Y hablando de paz es eso lo que se respira en sus películas, demostrándonos que la introspección o ese movimiento de afuera hacia adentro, no necesariamente debe ser agresivo o perjudicial.
Los sueños como las pesadillas forman parte de todas las personas que nos rodean. Tanto el peluquero de la calle Daguerre como los demás tienen sueños que los invaden en las horas de descanso. Ahora bien cuál es la diferencia entre ellos y Varda. Podríamos decir que ninguna; aunque sí hay una, y es que ella construye con esa inmaterialidad, que son los sueños; Varda al igual que sus vecinos debe soñar con su trabajo, nada más que ella los materializa en sus films.La figura del ilusionista que por un breve tiempo interrumpe el devenir cotidiano de esas personas es la figura perfecta que sirve de puente entre ellos y Varda. Y a su vez nos muestra una nueva dimensión de los elementos que conforman el cotidiano de estas personas. Elementos que la misma realizadora conoce apenas una dimensión pero gracias al films las cuchillas del carnicero poseen la factibilidad de ser utilizada para crear un universo personal. Sin embargo Varda nos recuerda que para reconocer el aura mágica encerrada en los objetos es necesario no desvincularse de la realidad que los circunda.Varda al igual que Ponty nos afirma que todo conocimiento es subjetivo aún el conocimiento científico. Por ello no debe de extrañarnos que parta de una definición extraída de un diccionario tan sólo para asegurarse de incluirnos en su universo. Un universo en el que las cosas inútiles se vuelven útiles, en donde la lógica comúnmente aceptada no tiene nada de común. 
La lógica de los films de estas realizadoras tienen como objeto principal ya no concientizar a la sociedad del rol de la mujer como género, sino que los movimientos individuales de estas cineastas no hacen más que reafirmar su “yo” y no paran de gritarlo con fuerza.
En los dos casos analizados hay una búsqueda de la identidad individual, dos formas diferentes de expresarla. Varda apela a un cine que no distingue entre ficción y no ficción, entre lo individual y lo colectivo, entre lo viejo y lo nuevo. Tres binomios que conviven de forma activa a lo largo de toda su carrera. Binomios que constantemente se enfrentan con ella y que al final de cada película hacen las paces, congenian para seguir viviendo en paz. Y hablando de paz es eso lo que se respira en sus películas, demostrándonos que la introspección o ese movimiento de afuera hacia adentro, no necesariamente debe ser agresivo o perjudicial.
Los sueños como las pesadillas forman parte de todas las personas que nos rodean. Tanto el peluquero de la calle Daguerre como los demás tienen sueños que los invaden en las horas de descanso. Ahora bien cuál es la diferencia entre ellos y Varda. Podríamos decir que ninguna; aunque sí hay una, y es que ella construye con esa inmaterialidad, que son los sueños; Varda al igual que sus vecinos debe soñar con su trabajo, nada más que ella los materializa en sus films.La figura del ilusionista que por un breve tiempo interrumpe el devenir cotidiano de esas personas es la figura perfecta que sirve de puente entre ellos y Varda. Y a su vez nos muestra una nueva dimensión de los elementos que conforman el cotidiano de estas personas. Elementos que la misma realizadora conoce apenas una dimensión pero gracias al films las cuchillas del carnicero poseen la factibilidad de ser utilizada para crear un universo personal. Sin embargo Varda nos recuerda que para reconocer el aura mágica encerrada en los objetos es necesario no desvincularse de la realidad que los circunda.Varda al igual que Ponty nos afirma que todo conocimiento es subjetivo aún el conocimiento científico. Por ello no debe de extrañarnos que parta de una definición extraída de un diccionario tan sólo para asegurarse de incluirnos en su universo. Un universo en el que las cosas inútiles se vuelven útiles, en donde la lógica comúnmente aceptada no tiene nada de común.
“... Todo lo que sé del mundo, aún científicamente, lo sé a partir de una perspectiva mía o de una experiencia del mundo sin la cual los símbolos de la ciencia no querrían decir nada. Todo universo de la ciencia está construido sobre el mundo vivido y si queremos pensar la ciencia misma con rigor y apreciar exactamente su sentido y su alcance, nos es menester despertar toda esta experiencia del mundo de la que la ciencia es la segunda expresión. Marleau – Ponty. Fenomenología de la Percepción . (FCE, p. VII). …”
En Hollywood en la década del cuarenta surgió la figura de Maya Daren, realizadora que proponía una mirada experimental sobre el cine. Mirada influenciada por el surrealismo, la danza y las posibilidades técnicas que el dispositivo brindaba. Es harto frecuente, que en sus cortos se proponga una imagen manipulada por procesos que tienen lugar después del rodaje, y ese lugar no es otro que la sala de montaje. No es casualidad que veamos a un grupo de bailarines en negativo, es decir una imagen que nos presenta un objeto reconocible como son los bailarines, pero que todavía no son ellos; y con esto me refiero, a que en este caso la imagen capturada por la cámara nos devuelve una representación próxima al objeto, se acerca pero no es éste. La configuración del espacio en Daren nos remite a los viejos aparatos con los que se intentaba registrar una secuencia de movimientos rápidos, estos nos lleva a las tecnologías previas al cinematógrafo como el fusil fotográfico con el que se intentaba registrar en detalle cada una de las diferentes etapas que constituían una acción o movimiento específico. Lo destacable de esta realizadora es que mientras el cine se dirigía hacia un registro puro; ella percibió la pureza de otra forma; porque no podemos negar que sus imágenes poseen un realismo y es por el hecho de ser imágenes inacabadas, no procesadas. Es un cine en estado puro, una pureza que tiene mucho de literalidad.
Mujeres
“Hay que luchar para no perder el placer, el gusto de hacer cine”
Agnès Varda
"Libertad física incluye libertad de tiempo –libertad de los plazos impuestos por un presupuesto. Pero sobre todo, el cineasta amateur, con su pequeño, ligero equipo, tiene una inconspicuidad, y una movilidad física que es la envidia de la mayoría de los profesionales, cargados como están por sus monstruos de muchas toneladas, cables y equipos. No olvides que no hay trípode construido que sea tan milagrosamente versátil en movimiento como el complejo sistema de soportes, articulaciones, músculos y nervios que es el cuerpo humano, el cual, con un poco de práctica hace posible una enorme variedad de ángulos de cámara y acción visual. Tú tienes todo esto y un cerebro también, en un solo, compacto, empaque móvil."
Maya Deren, Film Culture, Invierno de 1965.
“Esta película se ocupa […] de las experiencias de un individuo. No registra un evento que podría ser presenciado por otras personas. Más bien, reproduce la manera en la que el subconsciente de un individuo desarrollará, interpretará y elaborará un incidente aparentemente simple y casual y hará de él una experiencia emocional crítica. […]
(Citado en Sitney, P. Adams. Visionary Film: The American avant—garde 1943-1978. New York: Oxford University Press, 1979. 9)
Foto: Chantal Akerman
“… la voz parece prestarse como una alternativa de la imagen, como un medio potencial mediante el cual la mujer “puede hacerse oír”… "
Texto: Doane, Mary Ann
“… la voz parece prestarse como una alternativa de la imagen, como un medio potencial mediante el cual la mujer “puede hacerse oír”… "
Texto: Doane, Mary Ann
Foto de Jenny Holzer
“… De todas maneras, el cuerpo reconstruido por la tecnología y las prácticas cinematográficas es un cuerpo fantasmático, que ofrece un soporte y un punto de identificación al sujeto destinatario del film…”
Texto: Doane, Mary Ann
Texto: Doane, Mary Ann
Protec me from What I want
Fantasía sexual femenina en Belle de Jour
El personaje femenino interpretado por la actriz Catherine Deneuve, Severine, posee fantasías sexuales que pueden adjudicarse como más propias del estereotipo de fantasías sexuales del imaginario masculino. En correlación se presenta al personaje masculino del esposo una imagen de mujer que cumple el prototipo socialmente aceptado. El esposo de Severine se satisface con este canon de mujer sumisa, aniñada, que no transgrede fronteras; tímida y distante en lo sexual… que incluso le pide más tiempo para alcanzar una intimidad mayor.
Sin embargo, Severine, vive una dualidad en pugna en su interior, puesto que sus fantasías sexuales están llenas de notas de violencia y acoso… fantasías que tensan la relación de pareja donde el sexo y el sadomasoquismo están muy lejos de formar parte de la vida de estos personajes.
No es un dato menor el hecho de que dichas fantasías posean rasgos más bien masculinos, este aspecto confronta al hombre marcándole el hecho casi siempre omitido de que la mujer es una persona que desea, siente y quiere llevar a la realidad aquello que anhela… se pone en evidencia que tanto como el hombre el sexo femenino posee un imaginario que posiblemente quiera transgredir. Esta confrontación abre el cerrojo más temido y es el descubrir que no hay un poder o control real posible sobre la interioridad de una mujer y coloca en igualdad de condiciones a ambos sexos. Aquí la mujer muestra que como el hombre puede ansiar y ejecutar en pos de aplacar la sed de placer que posee… Las fantasías sexuales funcionan como el igualador de las circunstancias.
El personaje de Catherine Deneuve vive presionado entre la ansiedad de cumplir sus deseos y la necesidad de permanecer en el rol de esposa y dama de la sociedad. Los acosos recibidos en la niñez que vemos como flashes que duran algunos pocos segundos, nos dan el pie de cierto trauma que pudo haber reprimido durante mucho tiempo el desarrollo de su sexualidad de forma natural. Esto nos convoca ante el hecho actual y real de lo que en la infancia suele ocurrir a muchísimas mujeres, la educación machista y represora sumada en muchos casos a experiencias de abusos y acosos estigmatizan la feminidad y truncan la armonía de su crecimiento.
El rechazo de la hostia, el cuerpo de Jesucristo, es la acción del rechazo de la cultura cristiana donde el hombre es dueño y señor y la mujer es sumisa y acata. Este acto trae al relieve las propiedades de este personaje femenino que en su foro interno no comparte esa visión y sus acciones van a ser consecuentes con sus deseos y no con lo que las reglas que otros, hombres; han impuesto.
En Volver, de Pedro Almodóvar, se hace uso de las leyendas populares para disfrazar el hecho de que el personaje de Carmen Maura, madre de la protagonista (Penélope Cruz), realmente no había fallecido en el incendio junto a su esposo y que, a su vez, había sido la causante del mismo. Es por ello que el alma de Carmen Maura deambula por la casa de su hermana Paula que está muy anciana y pronta a morir. Como fantasma que regresa de la muerte a acompañar para acompañar y concluir tareas pendientes. Es así como esta leyenda se mantiene intacta hasta el final de la película para dar acceso a la perpetuación del rol de ayudanta que la madre de la protagonista desea tener, un poco se podría decir para expirar su vergüenza personal que fue no haber dilucidado que su hija fue abusada por su marido preñándola y dejándola sola y casi expulsada de la familia. Esa falta hacia esa hija es la que no va a devolverla a la vida por decisión propio, la calidad de fantasma es una elección.
Por otro lado en este film se aprecia los lazos familiares como determinantes y desencadenantes de las cosas buenas y malas de las vidas de los personajes. Hay una marcada presencia de los lazos familiares y la psicología de los personajes responden en sus características a las peculiaridades de dicha familia. Una familia matriarcal donde el hombre aparece como un agente externo que al entrar al núcleo corrompe y hace un daño… el padre de la protagonista la viola y deja embarazada, el marido de la hermana la abandona y desaparece, el marido de Penélope trata de abusar de la hija de ella. Lo masculino es sinónimo de peligro… es el signo negativo, sin embargo, es gracias a estas agresiones desde el otro género las que van a posibilitar la ruptura y reunión de estas mujeres a su núcleo familiar. Volver con la verdad y permitiendo que la nueva unión sea realmente indisoluble.
Este aspecto de la mujer en vigilia de la mujer y resguardándose de los lobos que son los hombres se ve claramente en la escena donde Penélope Cruz asume el asesinato de su marido para salvaguardar a su hija de una condena. Se hace cargo de absolutamente todo, hasta de enterrarlo… todo con la única finalidad de limpiar las manos de su hija a costa de pagar ella eternamente. Este punto es interesante porque el personaje de Penélope revierte lo acontecido a ella en su adolescencia… no es una madre que no ve… ella jamás dejará de ver.
La familia como elemento constituyente de la personalidad y actitudes de un individuo… este rasgo se acentúa o diluye considerando las raíces sociales de cada sociedad. Es por ello que en el film de Buñuel, Belle de Jour donde tenemos retratada la sociedad francesa de la década del ´60, no hay familia a la vista y los pocos recuerdos hay una carencia total de una presencia de cualquier índole familiar. La imagen de padre o de madre no existen esto explica que el personaje sea circular a su individualidad y caiga en el hedonismo de la autocomplacencia.
En el film Nadie me quiere, de Doris Dorrie, nuevamente tenemos un personaje femenino que carece de una imagen de familia, apenas aparece una madre que actúa un poco como elemento punzante en ella. Es un personaje solitario en busca del amor que ante su extrema soledad acude a un quiromántico negro y homosexual que termina siendo su mejor amigo y viviendo esta amistad muchas veces con actitudes propias de una pareja heterosexual. Este grado de acercamiento entre estos dos individuos se produce a partir del encuentro finalmente de una persona que los quiere cuida y valora… se produce en ellos un amor que roza la pureza y ese amor es muy auténtico y es tal vez el mejor amor que ambos hayan tenido. Llegan a amarse profundamente aunque nunca se confunde este amor con el amor de un hombre y una mujer. Films Belle de jour, Luis Buñuel Volver, Pedro Almodóvar Nadie me quiere, Doris Dorrie
El personaje femenino interpretado por la actriz Catherine Deneuve, Severine, posee fantasías sexuales que pueden adjudicarse como más propias del estereotipo de fantasías sexuales del imaginario masculino. En correlación se presenta al personaje masculino del esposo una imagen de mujer que cumple el prototipo socialmente aceptado. El esposo de Severine se satisface con este canon de mujer sumisa, aniñada, que no transgrede fronteras; tímida y distante en lo sexual… que incluso le pide más tiempo para alcanzar una intimidad mayor.
Sin embargo, Severine, vive una dualidad en pugna en su interior, puesto que sus fantasías sexuales están llenas de notas de violencia y acoso… fantasías que tensan la relación de pareja donde el sexo y el sadomasoquismo están muy lejos de formar parte de la vida de estos personajes.
No es un dato menor el hecho de que dichas fantasías posean rasgos más bien masculinos, este aspecto confronta al hombre marcándole el hecho casi siempre omitido de que la mujer es una persona que desea, siente y quiere llevar a la realidad aquello que anhela… se pone en evidencia que tanto como el hombre el sexo femenino posee un imaginario que posiblemente quiera transgredir. Esta confrontación abre el cerrojo más temido y es el descubrir que no hay un poder o control real posible sobre la interioridad de una mujer y coloca en igualdad de condiciones a ambos sexos. Aquí la mujer muestra que como el hombre puede ansiar y ejecutar en pos de aplacar la sed de placer que posee… Las fantasías sexuales funcionan como el igualador de las circunstancias.
El personaje de Catherine Deneuve vive presionado entre la ansiedad de cumplir sus deseos y la necesidad de permanecer en el rol de esposa y dama de la sociedad. Los acosos recibidos en la niñez que vemos como flashes que duran algunos pocos segundos, nos dan el pie de cierto trauma que pudo haber reprimido durante mucho tiempo el desarrollo de su sexualidad de forma natural. Esto nos convoca ante el hecho actual y real de lo que en la infancia suele ocurrir a muchísimas mujeres, la educación machista y represora sumada en muchos casos a experiencias de abusos y acosos estigmatizan la feminidad y truncan la armonía de su crecimiento.
El rechazo de la hostia, el cuerpo de Jesucristo, es la acción del rechazo de la cultura cristiana donde el hombre es dueño y señor y la mujer es sumisa y acata. Este acto trae al relieve las propiedades de este personaje femenino que en su foro interno no comparte esa visión y sus acciones van a ser consecuentes con sus deseos y no con lo que las reglas que otros, hombres; han impuesto.
En Volver, de Pedro Almodóvar, se hace uso de las leyendas populares para disfrazar el hecho de que el personaje de Carmen Maura, madre de la protagonista (Penélope Cruz), realmente no había fallecido en el incendio junto a su esposo y que, a su vez, había sido la causante del mismo. Es por ello que el alma de Carmen Maura deambula por la casa de su hermana Paula que está muy anciana y pronta a morir. Como fantasma que regresa de la muerte a acompañar para acompañar y concluir tareas pendientes. Es así como esta leyenda se mantiene intacta hasta el final de la película para dar acceso a la perpetuación del rol de ayudanta que la madre de la protagonista desea tener, un poco se podría decir para expirar su vergüenza personal que fue no haber dilucidado que su hija fue abusada por su marido preñándola y dejándola sola y casi expulsada de la familia. Esa falta hacia esa hija es la que no va a devolverla a la vida por decisión propio, la calidad de fantasma es una elección.
Por otro lado en este film se aprecia los lazos familiares como determinantes y desencadenantes de las cosas buenas y malas de las vidas de los personajes. Hay una marcada presencia de los lazos familiares y la psicología de los personajes responden en sus características a las peculiaridades de dicha familia. Una familia matriarcal donde el hombre aparece como un agente externo que al entrar al núcleo corrompe y hace un daño… el padre de la protagonista la viola y deja embarazada, el marido de la hermana la abandona y desaparece, el marido de Penélope trata de abusar de la hija de ella. Lo masculino es sinónimo de peligro… es el signo negativo, sin embargo, es gracias a estas agresiones desde el otro género las que van a posibilitar la ruptura y reunión de estas mujeres a su núcleo familiar. Volver con la verdad y permitiendo que la nueva unión sea realmente indisoluble.
Este aspecto de la mujer en vigilia de la mujer y resguardándose de los lobos que son los hombres se ve claramente en la escena donde Penélope Cruz asume el asesinato de su marido para salvaguardar a su hija de una condena. Se hace cargo de absolutamente todo, hasta de enterrarlo… todo con la única finalidad de limpiar las manos de su hija a costa de pagar ella eternamente. Este punto es interesante porque el personaje de Penélope revierte lo acontecido a ella en su adolescencia… no es una madre que no ve… ella jamás dejará de ver.
La familia como elemento constituyente de la personalidad y actitudes de un individuo… este rasgo se acentúa o diluye considerando las raíces sociales de cada sociedad. Es por ello que en el film de Buñuel, Belle de Jour donde tenemos retratada la sociedad francesa de la década del ´60, no hay familia a la vista y los pocos recuerdos hay una carencia total de una presencia de cualquier índole familiar. La imagen de padre o de madre no existen esto explica que el personaje sea circular a su individualidad y caiga en el hedonismo de la autocomplacencia.
En el film Nadie me quiere, de Doris Dorrie, nuevamente tenemos un personaje femenino que carece de una imagen de familia, apenas aparece una madre que actúa un poco como elemento punzante en ella. Es un personaje solitario en busca del amor que ante su extrema soledad acude a un quiromántico negro y homosexual que termina siendo su mejor amigo y viviendo esta amistad muchas veces con actitudes propias de una pareja heterosexual. Este grado de acercamiento entre estos dos individuos se produce a partir del encuentro finalmente de una persona que los quiere cuida y valora… se produce en ellos un amor que roza la pureza y ese amor es muy auténtico y es tal vez el mejor amor que ambos hayan tenido. Llegan a amarse profundamente aunque nunca se confunde este amor con el amor de un hombre y una mujer. Films Belle de jour, Luis Buñuel Volver, Pedro Almodóvar Nadie me quiere, Doris Dorrie
El expreso oriente
"... Con un buen guión puedes hacer una película buena o una película mala. Con un mal guión sólo tendrás películas malas..."
"... En todas mis películas hay por lo menos tres o cuatro minutos de verdadero cine..."
"... Las películas no son planas. Son esferas multifacéticas..."
Akira Kurosawa
"...Qué difícil es dormir en la cama de un hijo muerto..."
Extraído del film "Tôkyô monogatari" (Cuentos de Tokyo) de Yasujiro Ozu
"... Avalokitesvara el Boshisattava, parcticando profundamente Prajna Paramita, vio claramente el vacío de los cinco componenetes , aliviando así la desdicha y el dolor.
Oh, Sariputra, la forma no esra cosa que vacío,
el vacío no es otra cosa que forma;
la forma es exactamente vacío, el vacío es es exactamente forma..."
Extraído de "La cámara de papel de arroz de Yasujiro Ozu, o la filosofía de la vacuidad" de Arturo E. Sala en Pensar el cine 2
Tarde de perros
"... Todo gran trabajo es preparado cómo para que suceda como un accidente..."
"... No sé de qué trata mi vida ni quiero saberlo. Mi vida se define a sí misma cuando la vivo. Las películas se definirán a sí mismas cuando las haga..."
"... Quienquiera que haga una película tiene derecho a su propia interpretación. He amado y admirado un montón de películas que sentía que trataban de algo distinto a lo que yo estaba..."
"... Estilo: el modo en que cuentas una historia concreta. Tras la primera decisión crítica, "¿De qué trata la historia?", viene la segunda decisión más importante: Ahora que sé de qué trata, ¿cómo la cuento?...."
"... El trabajo creativo es muy duro, y algún tipo de autoengaño resulta necesario, aunque solo sea para ponerse manos a la obra. Para empezar, debes creer que aquello que acometes va a salir bien. ¡Y ocurre tan a menudo que no es así! He hablado con novelistas, directores de orquesta, pintores... De modo infalible, todos admiten que el autoengaño es importante en su trabajo. Quizá una expresión mejor sea "creer en lo que haces". Pero yo tiendo a ser un poco más cínico, y lo llamo "autoengaño"..."
"... El trabajo creativo es muy duro, y algún tipo de autoengaño resulta necesario, aunque solo sea para ponerse manos a la obra. Para empezar, debes creer que aquello que acometes va a salir bien. ¡Y ocurre tan a menudo que no es así! He hablado con novelistas, directores de orquesta, pintores... De modo infalible, todos admiten que el autoengaño es importante en su trabajo. Quizá una expresión mejor sea "creer en lo que haces". Pero yo tiendo a ser un poco más cínico, y lo llamo "autoengaño"..."
Sidney Lumet
"... Todo lo que hace falta es un poco de confianza ..."
Extraído del film "The Sting" (El golpe)
Abróchate el cinturón, Dorothy porque vamos hacia el mundo de OZ.
Los Terminator son unidades de infiltración, medio hombre medio máquina, por debajo hay un chasis metálico de combate controlado por microprocesador totalmente blindado, muy duro, pero por fuera son de tejido humano. Piel, cabello, y sangre cultivados para los cyborg.
Kyle Reese (protagonista de Terminator)
Hay algo en la personalidad humana que se resiente a las cosas claras, e inversamente, algo que atrae a los rompecabezas, a los enigmas, y a las alegorías.
Stanley Kubrick
Por desgracia no se puede explicar lo que es Matrix, tienes que verla con tus propios ojos
Morfeo (protagonista The Matrix)
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"... es mejor una amarga felicidad que una vida triste y gris..."
Stalkel
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