Alicia en el país de las maravillas es un film de dibujos animados realizado por Disney en 1951 basada en la novela del mismo nombre de Lewis Carroll.
Aquí encontramos una niña que se queda dormida y entra en el mundo de los sueños que es el mundo del revés.
En todo el film vemos como se parodian costumbres típicas de la idiosincrasia inglesa, es así como tenemos representada la puntualidad horaria a través de un conejo que vive siempre con su reloj de oro de bolsillo apurado y corriendo para llegar a tiempo a no se sabe bien donde, luego tenemos el ritual cotidiano del té de las cinco de la tarde (five o´clock) en la fiesta de No cumpleaños del señor sombrerero loco y amigos. La reina de corazones dando alusión a un mundo que está bajo las órdenes de una monarquía absoluta como fue realmente Inglaterra, un país donde la monarquía ha sido su sistema de gobierno más perenne e incluso en la actualidad la conservan aun que su función no es la de gobernar hoy en día sino que cumple funciones protocolares y diplomáticas de gran importancia para la nación. Las flores, el humo del cigarro de la oruga… elementos propios de la burguesía inglesa de la época en que fue escrito el libro (1865 año de su publicación).
También vemos el juego de cricket y las reglas impuestas donde se juega simplemente para otorgar la victoria a la reina. La sociedad entera inglesa y sus añejas tradiciones se hallan dibujadas en el film de Disney.
El mundo de las maravillas es un mundo de locura, donde todo está patas para arriba. Las cosas no cumplen ninguna lógica puesto que así es el mundo de los sueños y así es, también, el mundo imaginario de los niños. Por ejemplo las flores y animales hablan, las orugas fuman, se festejan todos los no cumpleaños, los caminos llevan a todos y ningún lado, las respuestas son ambiguas y pareciera que no respondieran nada.
Los tamaños de las cosas pueden modificarse, los picaportes tienen rostro y hablan, seres que se vuelven visibles o invisibles cuando lo desean…
Es atractivo ese concepto de múltiples caminos que se pueden elegir tomar. La escena donde Alicia se encuentra con el gato Cheshire a quien pregunta qué sendero poder seguir vemos que el gato le indica dos direcciones opuestas y en el árbol tenemos carteles que indican diferentes lugares en muchas direcciones, nos señala que no hay nada seguro ya que realmente a ciencia cierta no se puede saber si esos caminos son tantos y no se cruzan jamás y abre no solamente la opción de la libre elección sino el de una profunda incertidumbre que termina agobiando a Alicia más tarde… Pareciera decirnos que cuánto más posibilidades posee una persona más se enfrenta al temor de si elegirá o no lo correctos o de lo que se encontrará y todo será finalmente decisión llevada a cabo por uno, esto no ocurre si hay solo dos caminos o ni hablar si solamente hay uno, ya que en ese cosa no hubo otra opción y la incertidumbre no aparece como factor angustiante como tampoco la responsabilidad será tan personal. Sino hay opciones la vida es la que me lo ha impuesto. Es curioso como en ese mundo azaroso y desconcertante donde nada es como es la mente humana de Alicia se inmiscuye para sentirse y tratarlo como si fuese el mundo ordinario de la vigilia propia de los adultos.
Retomando la cuestión de las sendas y caminos en este universo sin reglas llegamos a entender que a pesar del supuesto desorden y caos Alicia va llegando a sus objetivos sin encontrarle, es verdad una sucesión lógica, pero ella finalmente alcanza el conejo apurado que ha sido el causante de su curiosidad y intromisión en ese cosmos. Aquí se hace presente el concepto de viaje devenido por una profunda curiosidad y la búsqueda de la respuesta. La curiosidad se presenta como un elemento vital para el inicio de este viaje, no es ya un viaje donde hay un llamado que el héroe omite escucharlo temporalmente pero más tarde es obligado por alguna fuerza interna y/o externa a lanzarse a la aventura. Alicia se lanza al país de las maravillas por pura curiosidad del mismo modo que lo hace Jack en El extraño mundo de Jack. Jack descubre el mundo de la navidad cuando por la puerta de un árbol decide ir a ver qué hay. La curiosidad como elemento indiscutible del inicio de la travesía, curiosidad inherente a todo niño y a todo adulto que aún conserva a su niño interior.
Alicia es un personaje sumamente encantador y de diversas aristas se extrae mucha información. Vemos a las claras que es una niña muy educado y con modales refinados, lo que nos indica que pertenece ya sea a la burguesía inglesa o bien a cierta aristocracia. En el principio del film se encuentra su hermana leyéndole la lección y tarea del día a la sombra de un frondoso y tupido árbol de primavera, Alicia da signos de profundo aburrimiento y desatención, su desinterés nos puntea otra propiedad y es que Alicia no se ha adaptado al mundo adulto reinante. Esta falta de adaptación a las formas estipuladas provocan en ella un construcción de su identidad endeble y esto es subrayado en el mundo de las maravillas al que se sumerge a través del sueño que cae sobre sus ojos al aburrirse de la lección.
Allí nos topamos con la escena de la oruga fumadora y vemos establecerse cristalinamente el problema de identidad que posee Alicia y que es fruto de su no acomodamiento en el universo adulto:
La oruga le pregunta a Alicia: "¿Quién eres tú?” a lo que Alicia le responde “Yo... Yo... no sé muy bien, señor, ahora ... Por lo menos sé quién era cuando me levanté esta mañana, pero me parece que he debido cambiar varias veces desde entonces… A lo que la oruga le retruca “¡Explícate!” y Alicia vuelve a responderle “Me temo, señor, no poder explicarme a mí misma porque yo ya no soy yo, ¿verá usted?."
Esto trae a colación la interminable discusión si Alicia en el país de las Maravillas es realmente para niños o debido a las temáticas que se hayan sumergidas entre sus líneas y fotogramas está realmente enfocado a personas adultas.
Bolt es un perrito que es comprado por Penny una niña que se va a convertir en una estrella infantil en el mundo de Hollywood. Bolt va a formar parte de ese mundo sin saber que no es el mundo real. A diferencia de Alicia en el país de las maravillas y El extraño mundo de Jack aquí la aventura no surge por la curiosidad y el mundo real no es el status quo del universo de este perrito. Bolt entra en un viaje de redescubrimiento a partir de un hecho traumático, y es en ese mundo ficticio de Hollywood donde Bolt cree ser un superperro con poderes que lo hacen único y cuya misión es salvar a su persona que es la niña Penny del malvado Calico que busca atraparla y matarla. Bolt ve como es capturada su amada Penny y es devuelta al carromato por la noche sin saber que es todo mentira… unos gatos que simulan ser del bando malvado lo provocan y hacen que Bolt escape por el techo del carromato y salga en franca carrera tras la liberación de Penny. El perro se va a enfrentar al mundo real recorriéndolo en sus calles, rutas y pueblos. Va a hacer amigos pero lo importante es que va a realizar un camino a la inversa de los otros dos films: Bolt transita desde la ilusión a la realidad. Es interesante como la quita de la magia y lo fantástico va a ser el punto crucial para que este personaje, incluyendo también el de la niña Penny, halle su lugar en el mundo.
Aquí la identidad de Bolt como la de Alicia es una identidad no madurada, fragmentada pues se ponen en duda sus capacidades y en consecuencia su misión, su identidad y lo más grave la veracidad no sólo de los hechos sino de los sentimientos.
Films
Alicia en el país de las maravillas de 1951 Disney
El extraño mundo de Jack, 1993, Disney. Producida por Tim Burton
Sería un error partir del supuesto que el espacio y el tiempo son dos elementos de un mismo fenómeno (el cine) como independientes el uno del otro. Cuando vemos cualquier figura geométrica sobre una hoja de papel no percibimos tan sólo lo espacial; sino que al mismo tiempo nos damos cuenta que esa imagen también posee una duración. Por eso es tan absurdo focalizar el análisis de una imagen sin tener en cuenta que lo que es percibido, es en realidad una imagen que de por sí es una representación del espacio – tiempo y no del espacio y el tiempo.
En la mayoría de las producciones audiovisuales hechas para el cine, tienen ese algo mágico que se llama movimiento, es decir ese sin fin de alteraciones singulares a las que la imagen se ve impuestas tanto por su creador como por la persona por la que es contemplada.
Más allá de los casos en el que el relato se sustenta en imágines inmóviles (fotos) como es el caso de La Jetée de Chris Marker que es un foto romance; en donde claramente se percibe la doble coerción que la imagen sufre en manos del realizador y del espectador.
Hay una anécdota sobre una fotografía de Robert Avedon, en la que se ve de espaldas a un violinista tocando. Al fotógrafo le llamo la atención el tiempo de contemplación que el hombre le dedicaba a esa foto; a la que otros pasaban sin detenerse. Avedon sintió curiosidad por saber qué era realmente lo que este hombre percibía en la foto; y éste le contesto si no oye la música, musicalidad evocada por esa imagen inmóvil.
La utilización narrativa de la ruptura espacio-tiempo en el relato clásico es el elemento primordial en estos films seleccionados.En Memento la imposibilidad del protagonista, leonard, de fabricar nuevos recuerdos (memoria a corto plazo) permite la construcción de la historia en retroceso en escenas que duran lo msimo que los recuerdos que va teniendo y borrando dicho personaje.
En 21gramos las asimetrías son las que rigen la estructura narrativa (el personaje de Jean Penn y el de Naoimi Watts) y al mismo tiempo el caos emocional de Christine a partir d ela muerte de toda su familia sirve de elemento conductor de la sucesión de las diefrentes escenas... pareciera que no hay conexión entre ellas exceptuando al finalizar el film pero si logramos profundizar la mirada se puede apreciar el la imagen quebrada del protagonista femenino cual espejo que se ha quebrado en muchos trozos... esos trozos se recogen en desorden y se van juntando hasta reconstruir la imagen de Christine.
Hace un año en Mariembad convive el recuerdo y la narración de ese recuerdo en simultáneo, borra el concepto de pasado-presente-futuro... la noción temporal queda suspendida en un eterno continuo...
Films
Hace un año en Marienbad, Alain Resnais
La jeteé, Chris Marker
21 Gramos, Alejandro González Iñárritu
Memento, Christopher Nolan
El personaje femenino interpretado por la actriz Catherine Deneuve, Severine, posee fantasías sexuales que pueden adjudicarse como más propias del estereotipo de fantasías sexuales del imaginario masculino. En correlación se presenta al personaje masculino del esposo una imagen de mujer que cumple el prototipo socialmente aceptado. El esposo de Severine se satisface con este canon de mujer sumisa, aniñada, que no transgrede fronteras; tímida y distante en lo sexual… que incluso le pide más tiempo para alcanzar una intimidad mayor.
Sin embargo, Severine, vive una dualidad en pugna en su interior, puesto que sus fantasías sexuales están llenas de notas de violencia y acoso… fantasías que tensan la relación de pareja donde el sexo y el sadomasoquismo están muy lejos de formar parte de la vida de estos personajes.
No es un dato menor el hecho de que dichas fantasías posean rasgos más bien masculinos, este aspecto confronta al hombre marcándole el hecho casi siempre omitido de que la mujer es una persona que desea, siente y quiere llevar a la realidad aquello que anhela… se pone en evidencia que tanto como el hombre el sexo femenino posee un imaginario que posiblemente quiera transgredir. Esta confrontación abre el cerrojo más temido y es el descubrir que no hay un poder o control real posible sobre la interioridad de una mujer y coloca en igualdad de condiciones a ambos sexos. Aquí la mujer muestra que como el hombre puede ansiar y ejecutar en pos de aplacar la sed de placer que posee… Las fantasías sexuales funcionan como el igualador de las circunstancias.
El personaje de Catherine Deneuve vive presionado entre la ansiedad de cumplir sus deseos y la necesidad de permanecer en el rol de esposa y dama de la sociedad. Los acosos recibidos en la niñez que vemos como flashes que duran algunos pocos segundos, nos dan el pie de cierto trauma que pudo haber reprimido durante mucho tiempo el desarrollo de su sexualidad de forma natural. Esto nos convoca ante el hecho actual y real de lo que en la infancia suele ocurrir a muchísimas mujeres, la educación machista y represora sumada en muchos casos a experiencias de abusos y acosos estigmatizan la feminidad y truncan la armonía de su crecimiento.
El rechazo de la hostia, el cuerpo de Jesucristo, es la acción del rechazo de la cultura cristiana donde el hombre es dueño y señor y la mujer es sumisa y acata. Este acto trae al relieve las propiedades de este personaje femenino que en su foro interno no comparte esa visión y sus acciones van a ser consecuentes con sus deseos y no con lo que las reglas que otros, hombres; han impuesto.
En Volver, de Pedro Almodóvar, se hace uso de las leyendas populares para disfrazar el hecho de que el personaje de Carmen Maura, madre de la protagonista (Penélope Cruz), realmente no había fallecido en el incendio junto a su esposo y que, a su vez, había sido la causante del mismo. Es por ello que el alma de Carmen Maura deambula por la casa de su hermana Paula que está muy anciana y pronta a morir. Como fantasma que regresa de la muerte a acompañar para acompañar y concluir tareas pendientes. Es así como esta leyenda se mantiene intacta hasta el final de la película para dar acceso a la perpetuación del rol de ayudanta que la madre de la protagonista desea tener, un poco se podría decir para expirar su vergüenza personal que fue no haber dilucidado que su hija fue abusada por su marido preñándola y dejándola sola y casi expulsada de la familia. Esa falta hacia esa hija es la que no va a devolverla a la vida por decisión propio, la calidad de fantasma es una elección.
Por otro lado en este film se aprecia los lazos familiares como determinantes y desencadenantes de las cosas buenas y malas de las vidas de los personajes. Hay una marcada presencia de los lazos familiares y la psicología de los personajes responden en sus características a las peculiaridades de dicha familia. Una familia matriarcal donde el hombre aparece como un agente externo que al entrar al núcleo corrompe y hace un daño… el padre de la protagonista la viola y deja embarazada, el marido de la hermana la abandona y desaparece, el marido de Penélope trata de abusar de la hija de ella. Lo masculino es sinónimo de peligro… es el signo negativo, sin embargo, es gracias a estas agresiones desde el otro género las que van a posibilitar la ruptura y reunión de estas mujeres a su núcleo familiar. Volver con la verdad y permitiendo que la nueva unión sea realmente indisoluble.
Este aspecto de la mujer en vigilia de la mujer y resguardándose de los lobos que son los hombres se ve claramente en la escena donde Penélope Cruz asume el asesinato de su marido para salvaguardar a su hija de una condena. Se hace cargo de absolutamente todo, hasta de enterrarlo… todo con la única finalidad de limpiar las manos de su hija a costa de pagar ella eternamente. Este punto es interesante porque el personaje de Penélope revierte lo acontecido a ella en su adolescencia… no es una madre que no ve… ella jamás dejará de ver.
La familia como elemento constituyente de la personalidad y actitudes de un individuo… este rasgo se acentúa o diluye considerando las raíces sociales de cada sociedad. Es por ello que en el film de Buñuel, Belle de Jour donde tenemos retratada la sociedad francesa de la década del ´60, no hay familia a la vista y los pocos recuerdos hay una carencia total de una presencia de cualquier índole familiar. La imagen de padre o de madre no existen esto explica que el personaje sea circular a su individualidad y caiga en el hedonismo de la autocomplacencia.
En el film Nadie me quiere, de Doris Dorrie, nuevamente tenemos un personaje femenino que carece de una imagen de familia, apenas aparece una madre que actúa un poco como elemento punzante en ella. Es un personaje solitario en busca del amor que ante su extrema soledad acude a un quiromántico negro y homosexual que termina siendo su mejor amigo y viviendo esta amistad muchas veces con actitudes propias de una pareja heterosexual. Este grado de acercamiento entre estos dos individuos se produce a partir del encuentro finalmente de una persona que los quiere cuida y valora… se produce en ellos un amor que roza la pureza y ese amor es muy auténtico y es tal vez el mejor amor que ambos hayan tenido. Llegan a amarse profundamente aunque nunca se confunde este amor con el amor de un hombre y una mujer.
Films
Belle de jour, Luis Buñuel
Volver, Pedro Almodóvar
Nadie me quiere, Doris Dorrie
Géneros cinematográficos Al enfrentarse ante los géneros siempre nos vamos a preguntar si esas entidades discursivas tienen un verdadero asidero en nuestro mundo, o sí sólo son estructuras narrativas predeterminadas que tienen como misión que nosotros en tanto espectadores establezcamos una frontera entre lo verdadero y lo ficticio. Fronteras desdibujadas de los géneros (Seeney Todd musical – tragedia) (All that jazz musical – drama) (Cantando bajo la lluvia – musical- comedia). Los géneros no son estables. Podríamos decir que los géneros resisten el paso del tiempo gracias al palimpsesto que le permite renovarse estableciendo de esta manera falsos paradigmas, que no son más que la misma cosa pero con aditamentos.
Sweeney Todd Estereotipo como piedra basal del género. En Sweeney Todd los personajes no son totalmente buenos ni totalmente malos. Cosa que sí ocurre en Singin´ in the rain… Kathy es la chica buena que da todo desinteresadamente hasta el punto de postergar sus anhelos personales respecto de su carrera para ayudar a Don su amor. Mientras que el personaje de Lina es un ser acartonado tonto e interesado que simplemente busca salirse con la suya y tener fama a cuesta de lo que sea necesario, como ser arruinar las posibilidades de una carrera en Broadway a Kathy.
En cambio los personajes de sweeney Todd y All that jazz son más complejos puesto que en el caso de Sweeney hallamos causas psicológicas derivadas de experiencias pasadas vividas que lo desencadenan en una sed de venganza, en consecuencia no podemos hablar de un personaje malvado sino de un personaje trastornado que una vez fue bueno pero lo vivido lo afectó psicológicamente estropeando la cadena de valores y principios que tenía anteriormente. En All that jazz el protagonista es más chato si se quiere puesto que su profundidad solamente es develada a partir de las conversaciones con el ángel-muerte. Estas charlas nos revelan a un hombre sencillo que hizo lo que deseó y siempre trató de ser el centro de atención de los demás y el objeto de su amor. Un personaje narcisista y por momentos mezquino pero no malvado ya que él se emocionaba con las personas y sentía pesares por sus acciones. Era un genio creativo en lo que desempeñaba y la muerte suaviza las imperfecciones burdas de este personaje que tampoco puede ser catalogado en un estereotipo.
Características primitivas de lospersonajes de Sweeney Todd y All that jazz Tanto Sweeney Todd como Gideon de All that jazz comparten dentro de sus rasgos esenciales de sus respectivos personajes propiedades primitivas del ser humano. Gideon pareciera que no puede pensar sino es a través de su órgano sexual… los encuentros amorosos son múltiples y con una finalidad casi animal de copulación orgiástica y nada más. No es un hombre culto y elucubrador de tópicos que hacen al hombre un ser racional con un espíritu que lo sitúa un escalón más arriba en la escala evolutiva que cualquier animal. Gideon se mueve al son de sus apetitos, una vez satisfechos continúa por más… no hay reflexión en él… solamente repasar lo vivido y desear no morir para poder tener más. Esto se ve claramente en el transcurso del film y más específicamente en una de las escenas finales donde, estando en el ensueño-umbral, el ángel de la muerte, (que no es azaroso que se le presente como una bella mujer angelical toda de blanco y tul cual esposa fiel), intenta besarlo (el beso de la muerte) y él al principio seducido la rechaza al entender el significado que realmente tendría dar ese beso. A partir de aquí este personaje trata de no morir, se pasea por los pasillos del hospital atravesando los cinco estadios por los que se surca antes de morir definitivamente, estadios mencionados en el film que el mismo Gideon realizó con un comediante. Esta arista de continuar y no desear el in también se evidencia en esta película dentro de la película All that jazz; Gideon no acaba nunca de reeditarla… nunca está conforme y vuelve a empezar otra vez. Su ambición es estar siempre en la función de su vida. Sweeney Todd es diverso en su primitivismo. No son deseos carnales lo que lo motivan sino, como ya sabemos, sed de venganza. Pero estas ansias irrefrenables de desquite lo han empujado hacia los pantanos de su propio ser y sus actos son productos de una fiera devorando a otra en medio de una selva virgen y salvaje donde la brutalidad se halla en su estado más puro. El asesinato a mansalva y despiadado lo ubica en el mismo estadio que una hiena en cuanto a animal carente de todo raciocinio y mesura de sus acciones emotivas y en cuanto a la imperante expresión de los instintos depredadores de estas bestias. Sin embargo, Sweeney Todd es acompañado por otro personaje tan siniestro o más que el. El papel de Bonan Carter lleva al paroxismo el primitivismo reinante en el film… ya que en Sweeney tenemos un personaje caído en desgracia por la infamia y la injusticia, en cambio, el rol de Bonan Carter es por libre decisión. Ella utiliza carne humana para servir el restaurante que maneja y es quien va guiando las acciones de Sweeney que cae en su juego impecable. Esta mujer trae a escena el canibalismo propiamente dicho, comer a los de su misma especie, se soslaya una metáfora grotesca pero bien contundente a la sociedad reinante en ese mundo, que es un símil del nuestro, donde los hombres se devoran entre ellos. Ya sea el odio, la venganza (Sweeney Todd), ya sea el amor, la protección (personaje femenino) o bien sea la satisfacción de un status (Juez Turpin), todo lo que mueve al hombre en este film lo destierra de su lado humano y lo convierte en bestias desalmadas; como si el hombre solo pudiera existir y obtener lo que desea, sea esto noble o no, por medio de la devastación de los de su misma especie. El hombre no sabe vivir sin devorarse.
La venganza La venganza como un sinónimo de justicia de la víctima… pareciera que Sweeney Todd por momentos fuera disculpado de su abominable acción por el hecho de su sed de venganza… pero la ley del talión como bien quiere plantear la construcción de este personaje no se aplica como tal. Desde el famoso Código de Hammurabi (1792 AC) se buscaba que el castigo del victimario fuera equivalente del daño que éste había causado a su víctima. La tan popular frase Ojo por ojo y diente por diente hace total alusión explícita a la necesidad de igualdad y equilibrio a la hora del castigo. Por ello Sweeney Todd quien en un principio quiere castigar al juez Turpin por la supuesta muerte de su amada esposa termina culpando a todos los hombres que no hicieron nada por ella como si realmente fueran cómplices del juez. Así es que asesina a todos clientes que entran a afeitarse su barba. El equilibrio queda destrozado puesto que el castigo es colectivo y no particular como plantea la ley del Talión que nosotros conocemos. Todos esos otros hombres morirán injustamente y serán comidos en la tienda restaurante de la dama siniestra. En All hat jazz los personajes no son rencorosos. Gideon es un hombre que ha dañado a muchas mujeres e incluso a su hija y, a pesar de ello, estos seres no buscan la revancha mezquina. No hay necedad de equilibrar lo desequilibrado ya que se acepta tal cual es. Singin in the rain plantea estereotipos y como tal los personajes buenos no desean vengarse en pos de de provocar un daño, aquello que se persigue es el triunfo de la justicia y la verdad, por ende no son las venganzas particulares sino los hechos quienes develan y enaltecen las buenas acciones por sobre las malas.
La sangre como símbolo en Sweeney Todd y diferencia con Drácula. La sangre en sweeney Todd representa lo más bajo y vil del hombre. Los actos horrorosos equiparados a las bestias carroñeras. Es el color de lo terrible y del fin… el fin de todas las vidas que son asesinadas e incluso el fin mismo del personaje que no posee mayor expectativa que su exterminación. Es la muerte simbolizada en su máximo esplendor, de hecho todos mueren en el film exceptuando el niño. Drácula, de Coppola, planteaba en la sangre un concepto más bien extraído del cristianismo, la sangre traía el renacimiento a una nueva vida, en este caso a la del vampiro. La resurrección. En la comunión comemos el cuerpo de Cristo bebemos su sangre. Esta idea de la sangre como el comienzo de algo y no su final. Nacer a una vida nueva.
Construcción de Sweeney Tood:la tragedia griega funcionando en su basamento (el desconocimiento de lo acontecido). / Gideon en All that jazz. En Sweeney Todd tenemos un elemento trágic Trágico en cuanto a las tragedias griegas donde había un personaje que realizaba un acto den desconocimiento real de sus verdaderas consecuencias y muchas veces con desconocimiento de a quién le efectuaba una acción determinada. En Edipo Rey éste asesina a su padre sin saber que era él y se casa con su madre ignorando igualmente este hecho, es así que luego se deviene acto trágico al saberse obrador de una de las mayores aberraciones que un hombre puede realizar… la tragedia está en haber perpetuado tales acciones sin conocimiento de las verdaderas identidades, este desconocimiento es esencial para que se estipule un acto trágico. Es así que Sweeney compadece ante lo mismo… asesina a su amada esposa desconociendo quien era y al descubrir la verdad cae sobre él la culpa infinita de su atrocidad. Gideon (All that jazz) no es un personaje trágico. El sabe desde el principio todo e igualmente arremete impunemente contra los que ama. Sus acciones son propias de un ser ególatra y déspota. Es consciente.
Las canciones y el musical en los films seleccionados: En Sweeny Todd los musicales giran en torno de los objetos de deseo de cada personaje. En All that jazz giran en torno a los deseos, sentimientos y vivencias del protagonista únicamente. Finalmente en Singin´in the rain versan sobre el espectáculo en sí mismo. Reflejan Brodway en su colorido, alegría y superficialidad.
“… El que es arte de la visión como la música es arte de la audición, debería… llevarnos hacia la idea visual compuesta por movimiento y vida, hacia la concepción del arte del ojo, constituido por una inspiración perceptiva que evoluciona en su continuidad y alcanza, al igual que la música, nuestro pensamiento y nuestros sentimientos …” (Citado en Sitney, 1978,pág.41)
Films: Singin´in the rain, Gene Kelly y Stanley Donen All that jazz, Bob Fosse Sweeney Todd, Tim Burton
La resignación del amorentendido como lo opuesto al amor no correspondido, es un vínculo que no puede consumarse a casusa de las fuerzas internas o externas que obligan a los amantes a separarse más allá de que exista una atracción entre ambos. Probablemente la resignación del amor podría emparentarse con aquel amor que llega tarde o demasiado temprano para alcanzar una plena consumación.
El amor y el alma gemela
El concepto de alma gemela lo encontramos en los mitos griegos. En El banquete de Platón, Aristófenes pone en palabras una teoría que explicaría las diferentes formas de amor que poseen los humanos. Heterosexuales y homosexuales. Para Aristófenes el amor es un en esencia y su función consiste en recrear esa unión perdida antaño por los hombres. Según el mito de Aristófenes los seres humanos en el principio eran dobles y tenían un cuerpo esférico, y los había de tres clases: mujeres, hombres y andróginos. Gozaban de gran fortaleza y orgullo, esto los llevó a amenazar a propios dioses creadores. Como consecuencia Zeus decide partirlos al medio tanto para castigarlos como para debilitarlos e inventa para la perpetuación de la especie la procreación por acoplamiento de los machos y las hembras. Desde entonces, y así se explica el amor, cada cual vive buscando su mitad perdida. Cada hombre busca su otra mitad que le devolverá esa unidad y plenitud de antaño.
Extraído de Los mitos platónicos, de Geneviéve Droz, Ed. Labor
En el film Drácula vemos como el personaje de Gary Oldman recorre lo indecible por reencontrarse con su amada Elizabetha (reencarnada en la bella Mina), y es cuando la encuentra que el círculo comienza a cerrarse. Drácula sólo vuelve a acceder a la paz y a la vida cuando reencuentra a Elizabetha. Es en sus manos donde morirá sellando el final y la culminación del viaje circular que lo devolverá a su primera esencia: el amor de Elizabetha. Todo justifica la búsqueda del alma gemela y no hay otra razón de vida que esa misma búsqueda. Drácula es un ejemplo del mito de Aristófanes pero no es el único, en los otros films vemos como la búsqueda del amor que nos completa determina drásticamente las vidas de los personajes.
En el film Los amantes del círculo polar de Julio Medem, tenemos dos personajes que también estuvieron en el mundo de los hombres dobles y completos pero fueron cercenados en dos, Ana y Otto buscan casualidades que los reúna nuevamente. Las casualidades son el hilo conductor del amor prístino y un poco el designio caprichoso de la vida de estos personajes. Pero es mediante ellas que alcanzan a buscarse y encontrarse, y es curioso que el reencuentro implique, en este film también, la muerte del personaje femenino ANA. La muerte como la implacable celadora del oprobio primero de esos hombres que osaron amenazar a los dioses. Por contracara, tenemos el film de Wong Kar Wai, Con ánimo de amar, donde el Sr. Chow y la Sr. Chan no logra reencontrarse y solo queda para ellos el vagar descorazonados y amputados en línea. Vemos al final de la película que los personajes viven en la añoranza reprimida y disimulada de lo que pedieron y no obtuvieron nunca más.
Archer y la Condesa Olenska de La edad de la inocencia (Scorsese) comparten el mismo sino que los protagonistas del film de Wong Kar Wai. Aquí las tradiciones y las reglas sociales esculpirán las vidas carenciadas y escindidas de estos dos seres que se aman.
“de uno nos hemos convertido en dos, de un todo nos hemos convertido en partes, del mismo nos hemos convertido en otros dos, extraños el uno al otro, y sin embargo atraídos el uno por el otro, buscando nostálgicamente nuestro alter ego”
Extraído de Los mitos platónicos, de Geneviéve Droz, Ed. Labor
El amor nace de esta carencia “ la pena suscita el deseo, la penuria incita a la búsqueda; cada parte tantea en pos de su mitad pedida y de su integridad original.” “El hombre, es fundamentalmente necesidad, necesidad del otro, de su otro, necesidad tan insaciable como irracional es el anhelo íntimo de una fusión definitiva; nunca reencontraremos nuestra plenitud original, ni nuestra bella unidad de antaño. Estamos condenados a aspirar sólo nostálgicamente a aquello que hemos perdido. Estamos condenados al amor.
Extraído de Los mitos platónicos, de Geneviéve Droz, Ed. Labor
Continuando con los mitos y fundamentando esta propiedad del amor como es la carencia, el mito griego del nacimiento del amor, Eros, nos habla que Eros fue hijo justamente de Poros que era el recurso y de Peines que era la pobreza, la carencia. Los mitos que con alegorías intentan explicar las cuestiones más abstractas y sutiles ya daban cuentan de un estudio minucioso de las formas del amor y las características y circunstancias que se debían establecer para que éste se presentara. No es en vano la frase que anteriormente leímos “estamos condenados al amor”.
La estética plástica de Drácula
Las sombras
Para Carl Jung la sombra es el arquetipo que representa la parte inferior de la personalidad, el lado obscuro e inconsciente de todo ser.
En Drácula aparece como el desdoblamiento del Conde y la construcción de su lado más oscuro que revela sus propósitos sin ningún tipo de mesuras. En la escena donde Jonathan, futuro marido de Mina, interpretado por Keanu Reeves, se dispone a darle los papeles de propiedad al conde, apreciamos en la pared detrás de ellos la sombra del conde haciendo movimiento muy diferentes a los que está haciendo el verdadero cuerpo del conde, aquí la sombra toma vida propia y nos muestra como ase el cuello del joven con sus delgadas y cadavéricas manos y mueve sus brazos como queriendo ahorcarlo. La sombra se independiza para mostrar los apetitos subrepticios de este vampiro.
Las pinturas como representaciones ideales de los personajes:
Esto lo vemos en el cuadro del Conde drácula cuando era humano y joven en la sala del comedor del castillo del Conde ya Vampiro. Y en el fresco del techo de la capilla donde muere Elizabetha y donde muere posteriormente Drácula. Esa imagen donde vemos un hombre que toa a una mujer flotando por los aires son la alegoría de las almas de Drácula hombre y Elizabetha en el cielo ya de Dios.
En cambio, En la edad de La inocencia, los cuadros aparecen por dos motivos, uno informativo que es el de testimoniar un período histórico donde los impresionistas reinaban, y otro para dar alusión a las emociones de los personajes implicados en ese amor prohibido, es así que vemos a Archer recorrer lentamente con su mirada un paisaje de gran longitud que la cámara recorre con detalle. Los tiempos en que transcurre este visionado y la imagen del paisaje plasmado en el lienzo nos dan a entender cualidades de este hombre: tranquilo, parsimonioso, conservador ya que no es un cuado impresionista, vanguardia que en un principio escandalizó a la sociedad pacata de la época, 1870. Por ello no es para nada casual y descuidado el hecho de que la Condesa Olenska, una mujer independiente y fuera de las reglas sociales, fuera retratada mientras leía sentada en un banco, con su paraguas protegiéndola del sol, como vemos en los jardines públicos por un impresionista al aire libre como solían hacer estos desestructurados pintores que quebrantaron todas las reglas académicas artísticas concebidas como canon hasta es entonces.
Lado humano del vampiro
Si bien Drácula es un hombre muerto que vaga en las tinieblas sigue amando como cuando era un ser humano. Este amor es tierno y protector. Si bien posee el propósito de convertirla en vampiro para que lo acompañe a la eternidad en el momento de hacerlo el profundo amor que siente por su amada se lo impide pues no quiere a arrastrarla a la infernal no vida en la que habita... es ella quien insiste y con dudas lo hace pero en la escena final vemos que Drácula le pide a Mina que termine su muerte para dejarlos libres a ambos. Él entiende que solamente muriendo la liberará a ella del designio de vampiro que ya hay en su sangre. Su muerte es su renuncia a ella y la salvación de Mina. Su muerte es el amor que lo guía en sus acciones.
La voz en off
La voz en off del relator en Drácula es impersonal y omnisciente al principio, pero cuando este personaje entra en escena, El Dr. Halsen, sufre una inflexión y el relato bajo su voz deja de ser monocorde para sufrir modulaciones propias de un personaje afectado por los sucesos que se acontecen. En la edad de la inocencia está esa voz femenina que todo lo cuenta a modo de remembranza con nostalgia y podríamos de decir cariño. Nunca aparece en escena y recorre el film sin sufrir alteraciones tímbricas.
Metáforas visuales
El film drácula apela a los emparejamientos gráficos, es decir, dos imágenes que coinciden en ciertos puntos fuertes desde sus rasgos pictóricos y se fusionan en un encadenamiento que habilita la desaparición de la primera imagen para dar paso a la segunda imagen que continúa. Es el caso por ejemplo cuando la cámara muestra los dos agujeros en el cuello de Lucy debidos a la mordida del vampiro y la imagen se fusiona con los ojos de un lobo, dando alusión a los colmillos del hombre lobo vampiro que la mordió y transformó.
En Con ánimo de amar las metáforas y retóricas visuales se hacen frecuentemente presentes. Es usual divisar a los personajes enmarcados entre objetos y/o marcos. Un claro ejemplo de esto es cuando el Sr. Chow va a buscar a su mujer al trabajo, que parece ser una biblioteca en la que atiende como recepcionista. Allí está el Sr. Chow preguntando a un hombre, que es tapado íntegramente por un lateral de un mueble, por su mujer que ya se ha ido. El Sr. Chow se halla remarcado por los bordes de una abertura en la pared con marcos de madera y forma esférica. Este recuadro y la no visión del otro hombre nos dan muestran de la existencia de algo oculto y del Sr. Chow como un ser “marcadamente” solitario. Esta escena es un poco la constatación de lo que ya venimos observando en el film. La mujer lo engaña (lo oculto) y él está solo ya desde hace tiempo (el marco acentúa al personaje que descubre lo que ocurre, o mejor dicho lo corrobora).
Cámara
En Drácula el movimiento de la cámara es abrupto e inquieto demostrando el desquicio de ese mundo infernal, lo podemos observar cuando el conde acecha en los jardines de la amiga de Mina, LUCY, transmigrado en un hombre lobo, en un espíritu que sobrevuela las escalinatas de las entradas hacia arriba y hacia abajo una y otra vez a medida que se acerca a la consumación de su maldita meta de asesinar y vampirizar a Lucy.
La cámara en Con ánimo de amar la cámara se mueve al ritmo de la historia y emociones de ambos personajes implicados, en una cadencia suave acompañando la tristeza en que se hallan embebidos estos personajes. tal es así que vemos como caminan por la calles y las escalinatas de todos los días con un suave Valenti acompañado de una música empática.
La estética de La Edad de la inocencia:
Personaje femenino de la edad de la inocencia May (ángel / demonio). / Mina en Drácula:
May es un personaje que ronda lo demoníaco ante su excesiva bondad y pureza que simplemente disfraza el gran conocimiento de las situaciones que posee. Es así como desde el silencio es testigo del enamoramiento de Archer por la condesa Olenska y en su juego sublime de desconocimiento e ignorancia hace que Archer por miedo a herirla siga adelante con sus planes de casarse con ella.
Ella nunca impide los encuentros con la condesa Olenska, su actitud es aparentemente pasiva y de resignación, lo cual recala en Archer doblemente más profundo puesto que esto le genera una gran culpa.
La escena donde May le ice a Archer que está embarazada y revela que ya se lo había contado a la princesa Olenska hacía unas semanas atrás… revela el juego subyacente en toda la trama de May… ella no estaba segura pero lo dio por hecho, esto provocó que la Condesa decidiera definitivamente alejarse de Archer, justo cuando parecía que más unidos iban a estar. May siempre estaba en el mejor momento y el mejor lugar y no por casualidad.
Las flores como símbolos social, pasional y metafórico.
Las rosas amarillas simbolizan la amistad, pero también la envidia, celos y el debilitamiento del amor, la desconfianza, infidelidad. No es casual que Archer regale estas flores a la Condesa Olenska… la belleza de estas flores hacen olvidar el verdadero significado que traen sus pétalos.
Las flores y en particular las rosas son símbolos del amor y la alegría. las rosas rojas son propias de la pasión pero la condesa Olenska solamente recibe rosas rojas de su ex marido. la delicadeza de las flores habla de la naturaleza que consideraban tenían las mujeres. Archer se conmueve ante la Condensa, tanto que ni se anima a sentirlo pero sus acciones le ganan la partida e incluso anticipan sus sentimientos ante el descontrariado amor. Las primeras rosas amarillas que le regala a la condensa parecieran profetizar lo que sucederá con él y su amor por ella.
Los fundidos a rojo (la pasión que devendrá), amarillo (la defraudación y el desengaño) y blanco (la pureza e inocencia).
En conclusión las películas elegidas en ocasiones confunden adrede el concepto de destino prefijado con la voluntad de los amantes. Es decir se nos ofrece un mismo suceso desde dos puntos de vista distintos, ya sea este observado desde la óptica del amante o del ser amando. Por ello en lo que en una primera instancia leemos como una indudable señal del destino los encuentros de los amantes; en una segunda instancia ese suceso se nos da a ver el artilugio gracias al cual el ser amado se valió para llamar la atención del amante. Esto se hace evidente en dos films “The edge of innocence” (La edad de la inocencia) de Scorsese y en el “Fa yeung nin wa”(Con ánimo de amar) de Wong Kar Wai; y sobre todo cabe hacer principal hincapié en este último, en el que asistimos al ensayo del encuentro amoroso.
En los filmes analizados en base a este eje percibimos que la resignación del amor se encuentra estrechamente vinculada con lo temporal y no con lo espacial; con esto no se pretende decir que el espacio este relegado a un lejano segundo plano, sino que el lugar en dónde transcurren estos amores está situado en lo intangible, y no existe nada más intangible que el tiempo. No es casualidad que en “Con ánimo de amar” se diga que aquel hombre que ahora vemos revive un amor que perdura en el tiempo y que por ello es algo que puede ver pero no tocar y que a medida que pasa el tiempo ese recuerdo se vuelve borroso.
Filmes:
Drácula, de Francis Ford Coppola
La edad de la inocencia (The age of innocence), de Scorsese.
Con ánimo de amar (In the mood of love), de Wong Kar Wai
Films
